Centro de Arte Caja de Burgos



FOOD OF WAR

Clouded Lands-[Tierras nubladas]

Del 3 de marzo al 28 de mayo de 2017

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Los conflictos, las luchas sociales y la legítima e histórica reivindicación sobre el derecho a la tierra están en la raíz de esta sugerente, comprometida y audaz propuesta artística.

El acceso a la comida, la sobreexplotación de los recursos, la producción de alimentos en manos de grandes compañías que imponen, no solo duras condiciones laborales a los trabajadores que las proveen, sino que incluso modifican los tradicionales hábitos alimenticios de un territorio, instaron al artista colombiano Omar Castañeda a protagonizar algunas sonadas intervenciones en su país. Tal fue el caso del Proyecto Panela, basado en el ancestral alimento convertido en el nuevo oro colombiano por su virtualidad como combustible. El artista utilizó este producto como soporte de su obra y como un modo de advertir los brutales cambios que se estaban operando en un mundo rural que una vez más convertía a los campesinos en víctimas de la violencia.

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La inquietud de Omar Castañeda por rastrear similares problemáticas en otros lugares, y por explorar el modo en que otros artistas las abordaban, le llevaron a trabajar en Palestina junto a Mónica Rubio. Allí indagaron en la dificultad de sus habitantes para cultivar y vender los alimentos producidos en un contexto de alta conflictividad. La experiencia les empujó a la creación del colectivo Food of War [comida de guerra]. 

Food of War, en palabras de Olga Pastor —comisaria independiente vinculada al colectivo desde sus inicios—  lleva en activo tres años y ha pasado ya por Colombia, Oriente Medio, España, Italia, Alemania, Ucrania y Bielorrusia. Sus miembros han creado un “manifiesto” que explica los objetivos y acota el modus operandi. Sin menoscabo de la libertad individual de cada artista, una de las premisas principales del colectivo es la denuncia social y la lucha por la paz. Una paz, que como estamos comprobando en el reciente caso de Colombia, se puede conseguir. Los artistas y el “manifiesto” son los protagonistas de una aventura que no ha hecho más que empezar y que paso a paso se  adentra por los más pedregosos senderos.

En “Comida de guerra”, prosigue Olga Pastor,  se unen conceptos y personas de muy diferentes estilos y disciplinas, aunados en un frente común de reflexión y denuncia. Un colectivo de paz que busca despertar conciencias en su afán por encontrar soluciones menos crueles.

La propuesta que ha desarrollado en esta ocasión el colectivo artístico repasa las terribles consecuencias que tuvo, principalmente en Europa, pero a la postre en todo el mundo, el terrible suceso del escape radiactivo en la central nuclear de Chernóbil (Ucrania) en los postreros años de existencia de la Unión Soviética. El 26 de abril de 1986 la explosión en uno de los reactores provocó, además de la muerte de numerosos operarios y bomberos que intervinieron en la central tras el accidente y  la contaminación inmediata del área circundante, una inmensa nube radiactiva que inicialmente sobrevoló Escandinavia y Europa Central. Hoy se sabe que las nubes radiactivas de Chernóbil alcanzaron todo el mundo.

España, con independencia del grado de afectación que pudiera causar la nube, no dejó de estar presente en el debate sobre las condiciones de seguridad de sus centrales nucleares. Una de las más controvertidas, sin lugar a dudas, fue la radicada en la localidad burgalesa de Garoña. Como es habitual, cada nuevo proyecto que desarrolla Food of War en un lugar concreto procura la incorporación al debate de diferentes artistas, que suman sus trabajos  a  la necesaria reflexión con que debemos afrontar  la persistencia de este tipo de factorías de producción energética.

Los artistas del colectivo Food of War y los artistas nacionales invitados a participar en el proyecto, producido en exclusiva por el Centro de Arte Caja de Burgos CAB, abordan, siempre desde una perspectiva artística, las relaciones de la población, de su forma de vida y de su modo de subsistencia con la obtención de energía nuclear. Y lo hacen sin apriorismos, de modo abierto y sin condiciones previas, explorando las buenas y malas repercusiones, los efectos en el día a día y en el largo plazo, procurando, como solo el arte es capaz de hacer, planteamientos globales a partir de experiencias cercanas y personales sin otro objetivo que el de la implicación emocional del espectador, a quien compete establecer en exclusiva las conclusiones que juzgue apropiadas.

El proyecto de Food of War para el Centro de Arte Caja de Burgos, CAB cuenta con la participación de los miembros del colectivo: Omar Castañeda, Hernán Barros, Quintina Valero, Simone Mattar, Zinahida Lihacheva y Carolina Muñoz.

Han sido invitados también a participar los artistas, bajo el comisariado de Olga Pastor: Pablo Robertson de Unamuno, Gemma Pardo, Pedro Paricio, Ernesto Cánovas, Noela Roibás, Julia Casal y Lucía Loren. 

La Fundación Caja de Burgos quiere agradecer en particular la cesión de obra de Pedro Paricio y Ernesto Cánovas para este proyecto Pedro Paricio por parte de la Halcyon Gallery de Londres.

 

Las obras y los artistas del colectivo Food of War presentes en la exposición

 

OMAR CASTAÑEDA presenta las pinturas de gran formato “Fight the atom with a shove”; “50 Roentgen is a fatal dose”y “Vodka was more valuable than gold”

La comida como una necesidad básica humana a la que no son ajenas las implicaciones culturales, sociales y políticas caracterizan el trabajo de Omar Castañeda. La comida amalgama naturaleza y cultura, no puede separarse de los agentes económicos que participan en su producción, mercado y consumo, pero tampoco de las relaciones personales que se establecen en torno a ella en la familia y en la sociedad. Aún menos, si cabe, en la particular manera que es entendida por el propio individuo, quien opera una asociación a menudo dialéctica entre cuerpo y mente.

Muchas de las obras de Omar reflexionan sobre cómo esta maraña de apreciaciones afectan a su Colmbia natal. Sus obras se materializan con alimentos y con elementos a ellos asociados. Su concurrencia le permite construir una alegoría del valor cultural otorgado al alimento, como puede verse en algunas obras creadas con productos obtenidos en plantaciones de Chernóbil (manzanas, trigo…) y consumidos a diario por los habitantes de aquellas tierras, inermes ante la pobreza que les obliga a desdeñar las previsibles consecuencias de su ingesta.

Más info en:  www.omarcastaneda.org

 

QUINTINA VALERO presenta 28 fotografías tituladas “Vida después de Chernóbil”

Quintina Valero es una fotógrafa documental y fotoperiodista española que vive actualmente en Londres donde estudió en el London College of Communication. Sus documentales tratan sobre derechos humanos y crisis humanitarias. Ha documentado formas de vida nómada incluyendo beduinos, gitanos y viajeros durante muchos años. Su pasión por aprender sobre diferentes identidades y culturas la llevó a los Balcanes, a Jordania, Francia, España y ahora  Inglaterra, lugares donde ha documentado tradiciones, festividades y rituales. Actualmente trabaja como fotoperiodista para diferentes revistas y periódicos.

“Vida después de Chernobyl” es una serie de 28 fotografías y retratos tomados en los pueblos colindantes a la zona cero, un espacio en el que de modo explícito se recomienda no vivir. A pesar de las reiteradas alertas por radiación, muchas familias pobres siguen allí instaladas y comen diariamente de la tierra que las rodea. En un entorno con un altísimo nivel de cáncer infantil y malformaciones, el documento de Quintina Valero, crudo y directo, nos deja desolados a la par que nos abre los ojos.

Más info en: http://quintinavalero.photoshelter.com/

 

SIMONE MATTAR presenta la instalación y la gastroperformance “Nube negra”

Artista, diseñadora industrial y especialista en diseño de comida, Somone Mattar vive y trabaja en Brasil. Uno de sus más relevantes proyectos con diseño de comida tuvo lugar en la Universidad de Jerusalén. En el campo de la consultaría, a través de la empresa Labmattar, ha dirigido  proyectos gastronómicos para más de 100 restaurantes.

“Nube Negra” hace referencia a la decisión que tomó Bielorrusia, después del accidente de Chernóbil, de aplicar radiactivos químicos en las nubes. Buscaban así provocar una lluvia negra que afectase solamente a una parte del país, para evitar una uleterior contaminación mayor. El sur de Bielorrusia padeció una lluvia negra que será recordada para siempre. La creación de Simone Mattar juega con el imaginario, infantil e inofensivo, de la nube. Pero la suya es una horrible nube negra de gran tamaño con la que contradice nuestra inocente asociación simbólica. La artista acentúa aún más su carácter trágico y contradictorio al elaborarla comestible: algodón negro para enfatizar la forma evocadora al horror y el miedo que vivió la población bielorrusa en Bielorrusia en 1986.

Más info en: http://www.labmattar.comhttp://www.labmattar.com 

 

HERNÁN BARROS presenta un texto y la proyección “(I.N.E.S. grade 7) x 2 = Caution”, en colaboración con Omar Castañeda

El trabajo del artista visual Hernán Barros camina a través de lo que él mismo llama “Babilondon”, una metrópolis donde todos los lenguajes y culturas se mezclan en una intrincada telaraña hecha de conexiones entre culturas de todo el mundo. Conectado desde siempre con la industria audiovisual, de la animación a la creación y producción de cine,  hasta documentales y música independiente, trabaja en la creación de efectos especiales desde hace diez años, pero  sin abandonar nunca la creación propia. Hernán Barros es un apasionado del mundo que rodea la cultura de la alimentación y el consumo. Él aporta al colectivo gran parte del soporte teórico, además, por supuesto de sus instalaciones visuales.

“(I.N.E.S. grade 7) x 2 = Caution” conecta visualmente Chernóbil y Fukusima, los dos accidentes nucleares más catastróficos de la historia de la humanidad. Peces de la zona de Chernóbil, que siguen formando parte de la alimentación local, presentados en urnas ante la proyección de la Gran Ola de Kanagawa, la célebre obra del artista japonés de comienzos del siglo XIX Katsushika Hokusai. Una conexión que destila tristeza, pero que se alza por su efectividad y realismo. Veinticinco años separan los dos accidentes en el tiempo, en cambio la certeza de sus consecuencias los conecta indisolublemente.

Más info en: www.imdb.com/HERNANBARROS

 

ZINAIDA LIHACHEVA presenta el vídeo “The Last Supper” y la instalación “Substantia”

El habitual campo de experimentación de la artista multidisciplinar Zinaida Lihacheva toma de la escenografía, el cine y el teatro, muchas de sus referencias.  Consciente de la responsabilidad social que el artista debe contraer con la sociedad en que vive, Lishacheva participa de forma activa en la conservación del patrimonio y en la defensa de la autenticidad de Kiev, Ucrania, la ciudad donde trabaja.

El vídeo que presenta en el CAB “The last supper” señala directamente al ser humano como actor principal causante de distintas catástrofes, sean medioambientales, sean bélicas, cuyas  irreversibles consecuencias no cesan de dejar espantosas cicatrices en nuestra devastada naturaleza. Para la instalación “Substantia” la artista emplea tres tubos de vidrio llenos de sangre, leche y ceniza. “La sustancia es una constante intemporal —nos dice Zinaida Lihacheva—. Sangre, leche y cenizas son algunas de las sustancias más enraizadas en distintos simbolismos de las culturas ancestrales. La sangre es la imagen de la humanidad como dadora de vida; la leche es el brebaje de la vida y el símbolo del primer alimento y del renacer; las cenizas, son un epítome de la fragilidad, evanescencia y perecedera naturaleza de la vida en la tierra. Una historia constante de cambios y acontecimientos detrás de estos tres símbolos que describen de manera precisa qué es lo que pasó en las áreas colindantes a la central nuclear de Chernóbil, como en la hoy ciudad fantasma de Pripyat [Ucrania]. Estos símbolos demuestran su relevancia constante trayendo a nuestra mente miles de imágenes que nos transportan a nuestros orígenes. Están expuestos en tubos de vidrio mientras sus contenedores más habituales, una bolsa de plástico para la sangre, una urna para las cenizas y un contenedor de metal para la leche, permanecen a su lado”.

Más info en: www.lihacheva.com

 

CAROLINA MUÑOZ presenta la canción “Lluvia negra” 

Carolina es una cantante colombiana que experimenta con nuevos retos fuera del circuito tradicional de los escenarios. Colaboró con el colectivo en más de una ocasión leyendo el manifiesto o componiendo para el proyecto “Panela” de Omar Castañeda. En esta ocasión, Carolina interpretará en la inauguración de la exposición en el Centro de Arte Caja de Burgos CAB la canción “Lluvia negra”, con la que alude a la misma tragedia que evoca la nube de Simone Mattar: Pequeños pueblos del sur de Bielorrusia donde vieron llover gotas negras envenenadas que cambiaron su vida para siempre.

Carolina Muñoz está en posesión de una brillante carrera  con relevantes galardones y reconocimientos. Ha participado además como solista en  numerosas producciones  para ópera y oratorio, además de interpretar diferentes roles en todo el mundo, incluido el Teatro Real de Madrid.

Más info en: http://media.wix.com/ugd/a14740_8663efd4c568471bb3351c33e1c7fcda.pdf  y www.youtube.com/watch?v=0wN3RUVCeSY

 

Las obras y los artistas españoles invitados en la exposición Tierras Nubladas

 

NOELA ROIBÁS y JULIA CASAL presentan el documental “Atómica”

Noela Roibás es una fotógrafa documental española afincada en Londres. Su trabajo es delicado y sensible. Cada disparo de cámara es un viaje al interior de una persona, o una situación concreta. Sus temáticas están siempre relacionadas con las personas y su entorno. Ya puede ser en forma de relato informativo o de mirada subjetiva a un lugar, persona, o grupo de personas.

Se formó en la London College of Comunication y no ha dejado de trabajar para diferentes medios y en diferentes proyectos. Ha mostrado su obra en diversas exposiciones en Londres y Madrid (Hundred Years Gallery, Salida de Emergencia) y ha sido finalista recientemente del premio Luis Ksado de fotografía. Entre sus clientes más destacados están la embajada de España en Londres, Vogue o Brit-Es Magazine.

Más info en: www.noelaroibas.com

 

Julia Casal es editora y diseñadora de motion graphics [grafismo en movimiento], con más de ocho años de experiencia en cine, publicidad y videojuegos.

Diplomada en cinematografía y artes visuales en la Universidad de León, cuenta además con un máster en guión para largometrajes y un curso de realización de documentales. Ha diseñado y filmado contenido para el National Theatre, Microsoft, Universal y Paramount, entre otros, desarrollando sus proyectos en Madrid, Barcelona, Varsovia y Londres, donde ha residido los últimos seis años. Actualmente compagina el trabajo gráfico y de animación con la realización de cortos documentales.

Más info en: www.asimetries.com

 

El documental “Atómica” de Noela Roibás y Julia Casal recorre el valle de Tobalina, donde se radica la central nuclear de Garoña en Burgos. Una visión imparcial de un lugar en la que la rotunda y amenazadora presencia de la central se torna en invisible a fuerza de no querer ser mirada. Las autoras han jugado con ese recurso conscientemente: la central no se muestra nunca y sin embargo está presente en cada retrato, en cada pupila, en el paisaje, en el silencio del valle. Un trabajo creado específicamente para la exposición Tierras Nubladas en el Centro de Arte Caja de Burgos CAB que Noela Roibás describe así: “la “Atómica” ha funcionado durante 42 años, y su influencia ha dejado una huella innegable en el valle. Enmarcada en un entorno natural pintoresco demuestra su presencia física con contundencia. Sin embargo la huella emocional es mucho mas sutil. Es intangible pero se respira en el ambiente, no se puede obviar. Nadie lo dice, pero no hace falta ya que simplemente está. Un tema tabú que se siente en la opacidad. En el querer hablar y no poder, o no deber. En las amenazas. En las contradicciones morales. En el divide y vencerás. En las teorías conspiranoicas. En la lucha, de unos y de los otros, partidarios y detractores. Hasta hay espías”.

 

GEMMA PARDO presenta la instalación videográfica “Sin límites”

Especializada en videoarte, fotografía y videoinstalaciones Gemma Pardo es una artista gallega afincada en Londres. Formada en la prestigiosa Goldsmiths, University of London, ha recibido destacados varios premios y ha concitado el interés de la prensa especializa. Su su obra se ha mostrado en exposiciones individuales en galerías y centros museísticos, como el MARCO de Vigo o el New Contemporaries de Bloomberg, en Londres.

“Sin Límites” es una obra que reflexiona sobre la insignificancia del ser humano, un  contrapunto en la exposición Tierras Nubladas  a las obras que hablan específicamente de los daños que un accidente nuclear nos puede generar. Chernóbil ha sido un rasguño si lo comparamos con la magnitud de una glaciación.“Without limits” [Sin límites] consiste, en palabras de Olga Pastor, en la proyección de una performance acompañada de dos series de diapositivas: Un hombre escribe de manera autómata y obsesiva distintas conclusiones y cálculos en una pared. La performance, de once minutos, desborda frustración y desconcierto. Ante la imposibilidad de medir la realidad con precisión el hombre se desnuda y empieza de nuevo. Es él solo contra las dimensiones reales del mundo.

Más info en: www.gemmapardo.com

 

PABLO ROBERTSON DE UNAMUNO presenta “The Dream Life of Debris”

Licenciado en cine por la Universidad Napier de Edimburgo, y radicado actualmente en Londres, es especialista en cortometrajes experimentales donde mezcla fotografía y sonido.  Su cine es poco usual y se encuentra normalmente fuera de los circuitos convencionales de distribución cinematográfica. Su temática se centra en las relaciones que establecen las personas entre sí y con su entorno. Su estilo puede maneja indistintamente la auto contemplación, lenta y reflexiva, con ráfagas de violencia e intriga.

“The Dream Life of Debris” es un film experimental de aproximadamente once minutos que reflexiona sobre el ser humano, su rutina y su aprisionamiento físico y mental. Es la historia de un hombre que vive en un ambiente urbano y sueña con volver a un lugar del pasado donde habitaba rodeado de naturaleza. Ese sueño se convierte en pesadilla al descubrir que ese paraíso ha sido deformado por la sociedad del siglo XXI. Imágenes aparentemente inconexas muestran la perversión de la naturaleza tras la intrusión industrial consumada por el ser humano. “El sueño de Debris” podría suceder en cualquier parte del mundo; por recóndito que fuese.

Más info en: http://unamuno.free.fr/

 

PEDRO PARICIO presenta “Utopía”

La obra pictórica de Paricio emplea el color con una infrecuente libertad. Bandas de color en acusado contraste para configurar  formas siluetadas de apariencia geométrica, sin recurrir a sombras ni apoyarse en los habituales recursos de la composición. Representado por la prestigiosa Halcyon Gallery de Londres, su obra ha ido madurando de manera gradual. De sus iniciales trabajos en los que testimoniaba su admiración por algunos pintores del siglo XX, ha pasado reflexionar sobre las preocupaciones del ser humano en el mundo actual: política, sociedad, guerra y vida cotidiana.

“Utopía”, la obra que se muestra en la exposición prestada expresamente por la Halcyon Gallery,  muestra una persona en el interior de una habitación. Mientras escribe ajeno a cuanto sucede fuera de ella, contemplamos por la ventana una explosión nuclear. La pintura alude expresamente a la pasividad humana ante el desastre. Acostumbrado a ella —y a su relato a través de cualquiera de los canales de comunicación—, parece haberla integrado en su día a día, resignado a lo inevitable.

Más info en: https://pedroparicio.com/

 

LUCÍA LOREN presenta la instalación “Mesa nuclear”

Artista y profesora, Lucía Loren trabaja principalmente con instalaciones en las que reflexiona sobre las relaciones de intercambio del ser humano con el entorno. Con frecuencia sus creaciones se desarrollan al aire libre, o bien concibe obras en las que es el paisaje el que se traslada a un espacio cerrado concreto. Su trabajo aborda el papel del ser humano en los cambios que se operan en la naturaleza. Utiliza para ello elementos del paisaje sobre los que interviene con pequeñas variaciones que ayudan a reflexionar sobre el propio concepto de paisaje cultural. El proceso de elaboración de cada uno de sus proyectos a menudo se convierte en un espacio abierto a la participación de la población que habita el lugar, generando un intercambio de experiencias y conocimientos entre ambos mundos.

Mesa nuclear presenta la forma de la cuenca del Ebro. El mapa bordado del territorio sirve de mantel sobre el que se dispondrá un breve, contundente y directo menú presentado desde un monitor. A modo de entrantes, platos principales y postre diferentes especialistas presentan el problema del sobrecalentamiento de las aguas del río Ebro, causado por las centrales nucleares y térmicas a su paso, así como las consecuencias, repercusiones y posibles soluciones. Para acompañar la ingesta, se servirá agua del río en hermosas copas de cristal.

Más info en: http://lucialoren.com/

 

ERNESTO CÁNOVAS presenta la pintura “Fuera de control”

La pintura de Ernesto Cánovas se caracteriza por su constante experimentación. La combinación de diferentes soportes y técnicas, el uso de las impresiones directas y la mezcla de los pigmentos pictóricos con otros materiales confiren a su trabajo un aspecto atemporal y levemente nostálgico. Nacido en Barcelona, Cánovas reside a caballo entre Alemania e Inglaterra, donde le representan las influyentes galerías Ambacher Contemporary de Múnich y Halcyon Gallery de Londres. Ha participado también en individuales y colectivas en Escocia, Estados Unidos y España.

La pintura titulada “Fuera de Control”, que Ernesto Cánovas presenta en la exposición del Centro de Arte Caja de Burgos CAB, ha sido cedida específicamente por la Halcyon Gallery de Londres. Parte de un recurso frecuente en el artista: el primer plano de unas manos que parecen manejar el panel de control de una máquina industrial. El título obliga al espectador a detenerse de inmediato en la paradoja de la aparente eficiencia de lo que ve en la pintura y la explícita advertencia del lema. “Fuera de control” es, además, la obra que abre la exposición y da paso al resto de creaciones. Toda una declaración de intenciones para este gran proyecto colectivo.  

Más info en: http://www.brit-es.org/article/ernesto-c%C3%A1novas-explosi%C3%B3n-creativa

ANTONIO SANZ DE LA FUENTE »


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